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MÚSICA

Si hoy se acabara el mundo, estas son las 10 mejores canciones de la historia

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Foto: CNN

Ya no sabemos que va a pasar mañana, si un nuevo virus aparecerá o si la inteligencia artificial nos destruirá. Así que te decimos qué canciones son las mejores hasta el día de hoy, aquellas que marcarán nuestra existencia. Tal vez te moleste que no esté tu favorita, pero es una lista hecha por expertos, que para muchos parecerá un poco subjetiva.

Casi dos décadas después de lanzar su lista de las “500 mejores canciones de todos los tiempos”, la revista Rolling Stone finalmente actualizó su famoso ranking.

La nueva selección estuvo nutrida por más de 250 artistas, músicos y productores, así como críticos y periodistas de la industria musical. “Cada uno envió una lista clasificada de sus 50 mejores canciones, y tabulamos los resultados”, explica la revista.

En total, eligieron unas 4.000 canciones y de ahí surgió la lista de 500, predominantemente hip-hop, country moderno, indie rock, reggae y R&B.

Una canción de The Beatles fue elegida como una de las mejores 10 de todos los tiempos por Rolling Stone. De las nuevas 500 canciones seleccionadas, solo hay tres temas de la música en español y uno del portugués. El resto son canciones en inglés, la mayoría lanzadas en Estados Unidos.

De las 10 canciones votadas como las mejores de todos los tiempos, ocho son clásicos del siglo pasado.

  1. Respect, de Aretha Franklin (1967)
  2. Fight the power, de Public Enemy (1989)
  3. A change is gonna come, de Sam Cooke (1964)
  4. Like a rolling stone, de Bob Dylan (1965)
  5. Smells like a teen spirit, de Nirvana (1991)
  6. What’s going on, de Marvin Gaye (1971)
  7. Strawberry fields forever, de The Beatles (1967)
  8. Get ur freak on, de Missy Elliott (2001)
  9. Dreams, de Fleetwood Mac (1977)
  10. Hey ya!, de Outkasst (2003)

Al contar la historia detrás de Respect, Rolling Stone destaca que la canción “catalizó el rock & roll, el góspel y el blues para crear el modelo de música soul que los artistas siguen buscando en la actualidad”.

“En sus memorias de 1999, Franklin escribió que la canción reflejaba ‘la necesidad del hombre y la mujer promedio de la calle, el hombre de negocios, la madre, el bombero, el maestro; todos querían respeto’. Todavía lo hacemos”, añade.

Las canciones en español no estuvieron entre las más nombradas por los músicos y expertos encargados de la selección.

Ello a pesar de que Rolling Stone asegura que la lista contiene “más” pop latino entre los géneros del nuevo ranking.

Daddy Yankee y su canción de 2010 “Gasolina” está en el puesto 50, la canción en español que más alto llegó en la lista.

En un lejano lugar 351 viene la canción Ponta de Lança Africano (Umbabarauma), del legendario músico brasileño Jorge Ben.

Después, la reina del tex-mex, Selena, aparece en el puesto 405 con su tema “Amor prohibido”.

La reina de la salsa cubana Celia Cruz con su canción “La vida es un carnaval” alcanzó el puesto 439.

Y finalmente el músico mexicano-estadounidense Santana aparece en el sitio 479 con “Oye, cómo va”, el famoso tema compuesto por Tito Puente.

Con información de BBC News

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MÚSICA

No fue suficiente con el reguetón ahora ya existe el Neoperreo

La música urbana ha evolucionado sin dejar de ser reggaetón.

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Para todos los que trataron de huir del reggaetón les tenemos una noticia, no va a desaparecer, sino a evolucionar. El neoperreo es la evolución natural de reguetón, se le ha definido como el encuentro del omnipresente mundo digital, con el estilo de vida urbano.

El perreo ahora se usa también como un “género” musical y es un estilo muy nuevo, creado por una generación más joven cuyo contexto es el mundo cibernético y no más, con sonidos que vienen de las computadoras, no como los clásicos del reggaetón normal de Daddy Yankee o similares; ahora las bases rítmicas son extraídas de librerías de sonidos de internet ya no de instrumentos reales o samplers.

Además, “el look de los artistas y los fans del neoperreo es más cibernético e incluso gótico, tirándole al de Lolita retorcida”, asegura Esa mi Pau!

¿Qué tiene que decir en neperreo?

Todo el reggaetón tiene algo que decir, ya sea que trate temas de la calle con el trap y su discurso social o el reguetón tradicional que habla de las fiestas y su contenido es más lúdico, pero también tenemos la música urbana hecha por mujeres —quienes son las protagonistas del neoperreeo—, que hace ruido porque las letras ya no son desde el punto de vista masculino.

El discurso del neoperreo representa más a las mujeres y la comunidad LGBTQI+ que el reggaetón hecho por el hombre. Sin duda, un giro de tuerca que quizás podría irritar a los detractores del género que padecen el ‘sindrome del rocker’.

La estética del neoperreo

Otra característica del neoperreo es que cuenta con un estética de sonido emparentada con el Auto-Tune, el famoso programa de efectos de afinación para los cantantes (para mayores referencias, recomendamos el episodio al respecto del documental “This is Pop”, disponible en Netflix) y claro, el futurismo y la vanguardia que impregna a las nuevas generaciones que patentaron el término surgido apenas en 2018, y al que la revista especializada Shock (con sede en Colombia) se refiere de forma casi científica: “El neoperreo es una invitación a aceptar la corporalidad más allá de la identificación del lugar geográfico de origen, de tamaños y colores, como la herramienta fundamental de cualquier ser humano para comunicarse e interactuar con la realidad y con los otros”, lo que se refleja no sólo en la pista de baile y en la forma en que se baila este nuevo perreo —que es más acelerado y con más participación femenina—, sino en los objetivos: igualdad y ruptura con la supremacía patriarcal del género.

Algunos artistas recomendables para entender el neoperreo:

Charly Gynn, Dylan Jessie, Cachorra, Esa mi Pau! y Pawmps de México; La pionera Tomasa del Real y Princesa Alba de Colombia; Bad Gyal de España.

Pero el neoperreo también es masculino: ForyFive, Pedro Fuentes, Mexasinpartys, Dam Dam o TBX, todos de México.

Con información de GQ

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MÚSICA

Jim Morrison, la seducción hecha carne

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¿Quién no ha mirado embelesado la foto de Jim Morrison con el torso descubierto? El magnetismo del mítico cantante logró arrebatar, con estas icónicas fotografías, la lujuria, admiración y devoción de sus fanáticos.

El principal responsable de provocar estas emociones fue el fotógrafo Joel Brodsky, quien en 1967 fue contratado por Elektra Records para fotografiar a la sensación musical del momento en la costa oeste americana: The Doors.

Con el cuidado artesanal y minucioso que caracterizaría a su trabajo, se dispuso a realizar el encargo en su propio estudio. Era, sin ninguna duda, el conjunto más prometedor con el que había tenido que lidiar hasta la fecha, por lo que la necesidad de obtener un buen resultado era clave a los dos lados de la lente.

Ambas, música e imagen, fueron un rotundo éxito. La contraportada fue nominada para los premios Grammy por su originalidad. En dicha instantánea, aparecen combinados retratos individuales de los músicos en una cuádruple exposición que requería de bastante habilidad técnica en los tiempos pre-photoshop. Otro logro de la back cover, más terrenal, pero no menos glamuroso, fue ser la primera fotografía de un álbum en ser colocada en los grandes carteles publicitarios de Sunset Strip en Hollywood.

Con una segunda sesión llegó el escándalo. Realizada también en 1967, la jornada comenzó con total normalidad. Primero se harían las fotos de grupo y después se pasaría a las individuales. En la fase grupal todos se mostraron muy cooperativos y sabedores de la importancia del aspecto visual en el mundo de la música.

En el turno de los retratos de cada músico, Brodsky puso deliberadamente a Jim al final, con la intención de exprimir el tiempo que fuese necesario sin tener a nadie más para después. El plan, a priori a fisuras, no contemplaba que una estrella del rock, a sus 23 primaveras, se mantuviese sentado en la sala contigua haciendo sudokus hasta que llegase su turno. El bueno de Jim se bebió hasta el líquido de revelado y cuando se acercó su momento estaba completamente borracho. A pesar de ir tropezándose con el equipamiento del estudio, pudo sacar todo el arsenal de poses que llevaba dentro y dejar para la posteridad un catálogo memorable.

Cuenta el autor de las imágenes con cierta burla, que nunca hubiese imaginado que de tal borrachera saliesen tan icónicas fotos. Remarca que la más emblemática de todas, la que nos atañe, ocurrió casi al final de la jornada.

El fotógrafo, satisfecho a pesar del etílico final, llevó las imágenes a la revista Village Voice unas semanas después, quienes publicaron un artículo con una foto del carrete. La respuesta no se hizo esperar. Cerca de 10.000 preguntas, peticiones, solicitudes, anhelos, súplicas y gritos en el cielo acerca de la seducción hecha carne. La misma instantánea sería rescatada para la portada del famoso recopilatorio The Best of The Doors de 1985. En tiempos recientes, el autor donó la imagen para ser subastada y recaudar fondos en ayuda a niños que han sufrido abusos.

Tras estampar su denominación de origen en covers de otros grandes como MC5, Iggy Pop and The Stooges, Van Morrison o Isaac Hayes, de ser fotógrafo residente del sello Stax, y sumar 400 portadas, puso fin a su periodo musical después de colaborar con Kiss en 1975. Cansado de las excentricidades de los artistas y viendo reducido su trabajo en las portadas tras la introducción del CD, pasó a realizar proyectos para el mundo de la moda y la publicidad.

Precursor del estilo conceptual en la elaboración visual de los discos, abrió una senda seguida por grandes nombres de la fotografía como Annie Leibovitz o David LaChapelle.

El fotógrafo Joel Brodsky transformó al Rey Lagarto en el Joven León, como así bautizó a la sesión, y elevó a Jim Morrison a la categoría de Dios en la tierra. De hecho, ha sido muy comentada la intencionalidad del cantante en la postura a lo Jesucristo en la cruz, de Mesías que ha venido a salvar al mundo musical del aburrimiento eterno.

Con información de Musikalia

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MÚSICA

Bruno Mars y Anderson .Paak forman una banda de puro R&B

El álbum “An Evening with Silk Sonic” llega sin pretensiones, Bruno sólo quiere seguir disfrutando la música.

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Foto: Bruno Mars/Anderson Paak via Instagram

Algunos todavía dudan de si Bruno Mars es un genio de la música contemporánea o un Michael Jackson descafeinado. Los que alucinan con sus bailes, su estilo y su forma de llevar el R&B al presente y a las masas incluso se preguntan si no será un hijo ilegítimo del Rey del Pop (teoría conspiranóica incluida).

Nosotros solo sabemos que si la música del presente tuviera más de un Bruno Mars nuestros sentidos lo agradecerían mucho y muy a menudo.

Además, mientras otros divos de la música contemporánea se dedican a seguir alimentando su ego, hace años que Bruno Mars dejó de buscar el hit rompe récords para abrazar apuestas más personales. Mientras otros buscan la colaboración viral por el éxito, Bruno Mars diluye su figura en asociaciones de menos nombre y abandona cualquier atisbo de hit discotequero contemporáneo en una reivindicación más pura de los estilos disco y R&B que tanto adora.

Por eso Bruno Mars ahora no es simplemente Bruno Mars sino que es Silk Sonic, una banda de puro R&B en el que comparte protagonismo vocal con Anderson .Paak.

En marzo sacaron su primer adelanto, titulado Leave the Door Open, luego llegó Skate, pero no ha sido hasta ahora cuando nos encontramos a las puertas de su nuevo disco. El mismo se llamará An Evening With Silk Sonic y ya lo podremos escuchar completo este mes de noviembre.

Pero como último y jugoso aperitivo, nos ha llegado el día de hoy la canción y el vídeo de Smokin Out the Window, un tema tan deliciosamente retro que nos creeríamos que es uno de los mejores temas de los 70. Todo fluye como la seda que da nombre al grupo.

Aquí te lo tenemos:

Con información de Esquire.

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